Inteligența la patrat: spațiu negru al gândirii abstracte. Partea 3
Întreaga cale creativă a lui Malevich este o puternică dorință sonoră de a străpunge marginea realității fizice. Intelectul abstract l-a împins pe artist către o căutare profundă, spre dorința de a merge în spatele ecranului vizibilului și tangibilului, de a pătrunde în esența lucrurilor …
Sfârșitul picturii: alb-negru. Partea 1
Piața Neagră: Crezi sau știi? Partea 2
În 1927, Kazimir Malevich și-a dus aproximativ o sută de lucrări la o expoziție personală la Varșovia și apoi la Berlin. Dintr-o dată, artistul a fost readus înapoi în URSS. Lucrările lăsate la Berlin, nu le-a putut ridica, întrucât a fost restricționat să călătorească în străinătate. Cu toate acestea, el însuși le-a repetat curând. Deci, există cel puțin patru versiuni ale pătratului negru.
Înainte, imaginea însemna întotdeauna originalul. Cu toate acestea, Kazimir Malevich, scriind „Piața Neagră” a abolit unicitatea ca calitate integrală a unei opere de artă.
Și acest lucru a fost nemaiauzit. Imaginea care este reprodusă este un alt paradox, o altă invenție a geniului sonic al lui Malevich. O altă profeție a sa.
Auzi viitorul. Pictura - în circulație
Astăzi, nu suntem deloc surprinși de oportunitatea de a fotografia orice operă de artă pe un telefon mobil, de a o trimite la celălalt capăt al lumii într-o secundă și de a imprima acolo practic fără pierderi de calitate. La începutul secolului al XX-lea, nimeni nu s-a gândit nici măcar că mijloacele tehnice de reproducere și tehnologiile digitale ulterioare pentru crearea de imagini care reproduc nesfârșite opere de artă le vor aboli unicitatea.
În mod tradițional, o întâlnire cu o operă de artă era o experiență sacră specială pentru privitor. A privi o pictură însemna să-i văd originalul cu ochii mei. Reproducerea tehnică a tabloului a fost extrem de dificilă. Efectuarea manuală a copiilor necesită nu mai puțină abilitate decât autorul și era imposibilă în cantități mari. Fotografia și mijloacele de reproducere tehnică abia începeau să apară.
Natura loviturii, trăsăturile elaborării suprafeței pictate, nuanțele coloristice inerente acestui sau acelui artist, au creat o aură specială a operei de artă.
Atitudinea noastră față de o pictură tradițională seamănă întotdeauna cu atitudinea noastră față de o icoană sau alt subiect al unui cult religios: o percepem fără critici, deoarece are un statut sacru.
Piața Neagră a lui Malevich a fost o lucrare cu un nou format, aproape lipsit de unicitate. Opera, pierzându-și aura de autenticitate, își pierde și statutul sacru - un fel de atitudine specială a privitorului față de ea, venerație, reverență.
Reproducerea și orice lucrare de producție nu au această aură. Lucrurile non-unice ne umplu și ne creează viața. Nu le salvăm atunci când un lucru se uzează, îl înlocuim cu ușurință cu altul. Nu suntem separați de lucrarea tipărită de un cocon de percepție specială, ne simțim în condiții egale cu ei. Prin urmare, admitem pe deplin criticile asupra unor astfel de lucrări. Nu o vom critica pe Mona Lisa, chiar dacă nu ne place deloc imaginea, dar putem critica imaginea de pe coperta cărții.
Această ușurință de reproducere a lucrărilor suprematiste ale lui Malevich este cea care pune privitorul la același nivel cu artistul, distrugând coconul statutului special al picturii.
Și la sfârșitul secolului al XX-lea - începutul secolului al XXI-lea, chiar și corpul uman va înceta să fie unic: tehnologiile celulare vor permite organelor donatoare în creștere artificială, vor crea și înlocui fragmente de țesut corporal. Cu aproape o sută de ani înainte de aceste evenimente, Malevich ar fi declarat cu tabloul său „Piața Neagră”: singurul lucru care nu se pretează clonării este spiritul uman, gândul artistului.
Chiar în viitor. Pătrat negru în casa ta
Cu cât o operă are mai multă circulație, cu atât este mai aproape de privitor și cu atât influența ei este mai puternică asupra spectatorului. Trecând de la piesă la producție, opera își pierde sacralitatea, dar câștigă o influență masivă.
Circulațiile mari vă permit să luați legătura cu un număr mare de spectatori și să aveți un impact extraordinar. O astfel de acoperire nu era posibilă pe vremuri pentru imaginea tradițională. O lucrare tipărită, care interacționează cu o persoană ici și colo, se actualizează constant. Aura, atmosfera specială pe care a avut-o pictura, s-a pierdut, dar puterea impactului crește de multe ori.
Astfel, grație apariției „Pătratului Negru”, circulația devine un nou principiu de comunicare. Din acel moment, toate principalele genuri de artă afectează spectatorul în masă. Cinematografia și televiziunea devin cele mai semnificative.
Comunicarea în masă este necesară pentru a crea consistență, mentalitate asemănătoare. Coerența, ca sistem nervos unificat, permite organismului-societate să funcționeze fără probleme fără dificultăți, să schimbe informații instantaneu și să nu creeze conflicte interne. Comunicările în masă devin o alternativă la cultul religios. Se unesc, educă, explică, răspândesc instantaneu știrile, ceea ce este foarte important pentru o țară imensă. Tehnologiile de comunicare în masă - imagini tipărite replicate și modele industriale, tehnologii de televiziune, radio și film - au primit un puternic impuls pentru dezvoltare tocmai atunci, în primele decenii ale secolului XX. Iată cum contemporanul lui Malevich, poetul, dramaturgul, gânditorul și culturologul de avangardă Velimir Khlebnikov, interpretează fenomenul comunicărilor de masă în eseu-utopia sa „Radio viitorului”:
„Radioul a rezolvat o problemă pe care biserica însăși nu a rezolvat-o și a devenit la fel de necesară pentru fiecare sat pe cât este acum o școală sau o sală de lectură.
Sarcina de a se alătura singurului suflet al umanității, unicul val spiritual zilnic care străbate țara în fiecare zi, iriga complet țara cu o ploaie de știri științifice și artistice - această sarcină a fost rezolvată de Radio cu ajutorul fulgerului. Pe imensele cărți de umbre ale satelor Radio a tipărit astăzi povestea unui scriitor preferat, un articol despre gradele fracționate de spațiu, descrierile zborurilor și știrile din țările vecine. Fiecare citește ce îi place. Această carte, aceeași pentru întreaga țară, se află în fiecare sat, pentru totdeauna în cercul cititorilor, tipărit strict, sala de lectură tăcută în sate."
Argumentele lui Khlebnikov despre radio, care ar crea un val de gânduri asemănătoare, ar deveni o carte obișnuită în care „fiecare citește ceea ce îi place”, desigur, sunt idealiste. Radio, ca canal media, fără îndoială, unit, a creat un spațiu comun de informare, dar totuși nu a oferit gradul de implicare la care a visat poetul. Cu toate acestea, aproximativ șaizeci de ani mai târziu, când computerul a apărut în fiecare casă, Internetul a devenit o astfel de „carte”.
Velimir Khlebnikov și-a prevăzut înfățișarea. La fel ca Kazimir Malevich, cu „Piața Neagră”, a prezis era afișajelor negre ale dispozitivelor electronice, care fac posibilă difuzarea, reproducerea și stocarea imaginilor la nesfârșit și fără costuri.
Fiecare în domeniul său, artiști, scriitori, inventatori, ingineri de la începutul secolului al XX-lea, au creat o descoperire culturală și științifică, o revoluție a conștiinței. Dar viața întregii societăți se schimbă numai atunci când descoperirile și invențiile îi privesc pe toți. De aceea, toate figurile strălucitoare ale acelor timpuri acordau atât de multă atenție rezolvării problemelor de zi cu zi, unul dintre criteriile de succes a fost simplitatea maximă și disponibilitatea reproducerii. Au devenit un nou credo creativ.
De exemplu, Varvara Stepanova a creat schițe de haine la modă de zi cu zi și festive, pe care orice femeie le-ar putea crea în jumătate de oră din prosoape obișnuite de bucătărie. Alexander Rodchenko, Lazar Lissitsky, împreună cu Vladimir Mayakovsky, au realizat afișe publicitare pentru bunuri și servicii. Mayakovsky a scris sloganuri publicitare, iar artiștii au creat o linie vizuală pentru ei, s-a dovedit strălucitor, mușcător, fervent. Poezie și pictură - două genuri de elită, înalte, au apărut pe străzile orașului și în casele oamenilor obișnuiți.
Până acum, la Sankt Petersburg, în magazinele fabricii de porțelan Lomonosov, puteți cumpăra un serviciu suprematist dezvoltat de Malevich și studenții săi în anii 1920.
Nu doar atitudinea față de operele de artă, percepția lor, ci și rolul artistului se schimbă treptat. Un designer nu este un meșter care creează lucruri unice, ci un inginer, un designer. El creează sisteme și proiecte replicabile. Influențează masiv conștiința oamenilor cu culoare și formă, determină viața și mediul lor. La asta a visat odată Kazimir Malevich.
Esența picturii nu se află în pânză și cadru și nici măcar în imaginea obiectului, la fel cum esența omului nu este în carne și oase. Gândirea artistului este mai importantă decât abilitatea și modul de reproducere. Arta poate și trebuie să fie accesibilă, reproductibilă și răspândită. Pe baza acestor premise, bazate pe evoluțiile lui Malevich și ale asociaților săi în domeniul compoziției formale, a început să apară o nouă practică socio-culturală, pe care astăzi o numim design.
Cosmosul realității sonore. Intrând în suprematism deschis
În 1903, Konstantin Ciolkovski a publicat prima parte a articolului „Explorarea spațiilor lumii prin dispozitive cu jet”, unde a fost primul care a confirmat posibilitatea zborurilor în spațiul solar. În această lucrare și în lucrările ulterioare, omul de știință a pus bazele cosmonauticii teoretice. Ideea lui era să călătorească prin spațiul gol cu o propulsie cu jet.
Proprietarul vectorului sonor, artistul Kazimir Malevich, desigur, a devenit interesat de cercetările sale.
La începutul secolului al XX-lea, astronautica practică nu exista încă și se știa puțin despre spațiu. Primul zbor a fost realizat de Yuri Gagarin abia pe 12 aprilie 1961.
Dar deja în 1916, Kazimir Malevich a scris compoziții suprematiste, în care pentru prima dată în istoria artei exprimă starea de imponderabilitate structural și compozițional printr-o imagine vizuală. Artistul ar fi abolit forța gravitației și a intrat în suprematism deschis.
Orice pictură este o reproducere a experienței senzoriale a realității. Un artist talentat este cel care o face cu siguranță. Compoziția imaginii, la fel ca o persoană, are partea superioară și inferioară, laturile stânga și dreapta. Elementele imaginii din percepția noastră sunt afectate de forța gravitațională în același mod ca și asupra obiectelor reale din viață.
Percepția noastră se ajustează pentru gravitație. Orice artist ghicește despre aceste distorsiuni senzoriale ale percepției. De exemplu, o formă localizată exact în centrul geometric al foii va fi percepută optic ușor sub mijloc de ochiul uman. Percepția noastră adaugă gravitate simțurilor noastre. Această lege universală organizează spațiul compozițional al oricărei picturi.
Și în compozițiile suprematiste ale lui Kazimir Malevich nu există sus și jos, dreapta și stânga. Formele par să plutească sau să atârne în greutate. Spațiul pare să fie extins și aplatizat și seamănă cu o vedere de sus.
Un astfel de sistem compozițional a apărut pentru prima dată. Multe dintre compozițiile lui Malevich pot fi răsturnate și nu vor pierde nimic. Mai mult, Malevich însuși, începând să-și rotească faimosul „Pătrat Negru”, a observat că, în percepție, el se transformă mai întâi într-o cruce și apoi într-un cerc. Așa a apărut un triptic: pătrat negru, cruce neagră, cerc negru. Trei forme primare de suprematism.
„Piața Neagră” a devenit nu numai prima formă de suprematism, ci și atomul picturii. Malevich a scos esența oricărei imagini cu această imagine. Mulți ani mai târziu, odată cu apariția tehnologiei digitale, toate imaginile au început să fie formate din multe segmente în formă de pătrat - pixeli, atomi ai imaginilor digitale. „Pătratul negru” este primul pixel, forme zero. Prima idee despre structura segmentară a imaginii care trăiește în pătratul negru al monitorului, de cealaltă parte a realității suplimentare a internetului.
Scopul muzicii este tăcerea
„Scopul muzicii este tăcerea” este scris pe prima foaie a caietului lui Kazimir Malevich, din 1923. Anul acesta artistul a publicat ultimul său manifest „Oglindă suprematistă”, în care a egalat toate fenomenele lumii la zero.
„Nu există ființă nici în mine, nici în afara mea, nimic nu poate schimba nimic, deoarece nu există nimic care să se poată schimba și nu există nimic care să poată fi schimbat.
Esența diferențelor. Lumea ca lipsă de obiect”.
Un analog grafic al acestei afirmații a fost două pânze goale arătate de artist la Petrograd la „Expoziția de picturi ale artiștilor din toate direcțiile 1918-1923” în primăvara anului o mie nouă sute douăzeci și trei. Picturile au fost denumite în același mod ca și manifestul „Oglindă suprematistă”.
Interesant este că, cu aproape cincisprezece ani mai devreme, Nikolai Kulbin, un prieten, coleg și patron al lui Malevich, o figură activă în noua artă de atunci, a scris broșura Free Music, în care, cu câțiva ani înaintea compozitorilor futuristi italieni, a negat sistem de douăsprezece tonuri. Kulbin este autorul conceptului de muzică non-temperată, muzică în sferturi și muzică de mediu.
Kulbin credea că muzica naturii este liberă în alegerea sunetelor: lumină, tunet, zgomot de vânt, stropire de apă, cântec de păsări. Prin urmare, un compozitor care scrie în genul muzicii gratuite nu trebuie „limitat la tonuri și semitonuri”. "Folosește tonuri sferturi, caracatițe și muzică cu o alegere liberă a sunetelor." Muzica gratuită ar trebui să se bazeze pe aceleași legi ca și muzica naturii. Calitatea principală a muzicii sfertului de ton a fost formarea de combinații neobișnuite de sunete, armonii, acorduri, disonanțe cu rezoluțiile și melodiile lor. Astfel de combinații de sunete în scară se numesc „disonanțe apropiate”, sunetul lor este complet diferit de disonanțele obișnuite. Kulbin credea că acest lucru mărește foarte mult abilitățile expresive ale muzicii, capacitatea de a se materializa.
Puțin mai târziu, idei similare au fost exprimate de futuristul italian Luigi Russolo în manifestul „Arta zgomotelor”.
Câteva decenii mai târziu, filosoful, poetul, compozitorul american John Cage va compune faimoasa sa compoziție în trei părți „4'33”, care va fi prezentată pentru prima dată de pianistul David Tudor la Concertul de beneficii organizat în sprijinul artei contemporane din Woodstock în anul 1900 cincizeci și doi. În timpul sunării operei, nu a fost redat niciun sunet. Tăcerea a durat trei perioade de timp, corespunzătoare celor trei părți ale compoziției. Apoi, plecându-se, muzicienii au plecat, iar sala a explodat …
În vremurile noastre, nici muzica tăcerii și nici a zgomotului nu surprind pe nimeni. Instrumentele digitale vă permit să înregistrați în mod liber, să creați și să amestecați sunete, să le editați, de exemplu, eliminând zgomotul. Muzica electronică, fără un singur sunet „live”, care amintește de orice instrument real, a devenit la început o direcție muzicală deplină separată, iar mai târziu toată muzica s-a transformat într-o oarecare măsură în electronică, adică a devenit digitalizată.
Mereu alături de noi
Întreaga cale creativă a lui Malevich este o puternică dorință sonoră de a străpunge marginea realității fizice. Intelectul abstract l-a împins pe artist către o căutare profundă, spre dorința de a merge în spatele ecranului vizibilului și tangibilului, de a pătrunde în esența lucrurilor.
Cum se va schimba subiectiv percepția culorii, de exemplu, galbenă, dacă este aplicată diferitelor forme geometrice: un cerc, un triunghi, un pătrat? Cât de multe culori incolore (acromatice) afectează această culoare: de ce galbenul se stinge pe un fundal alb și se aprinde cu o răzbunare pe negru? Cum afectează ritmul și dimensiunea spotului picturii sentimentul subiectiv al căldurii și răcorii culorii? Acest tip de întrebări l-au interesat pe Malevich ca cercetător.
Kazimir Malevich a schimbat pentru totdeauna nu numai arta, ci și viața noastră. Pictura sa este o formulă. Formula de expresivitate în care imaginea poate fi retrasă. Nu există imagine, dar există expresivitate.
Apariția „Pătratului Negru” ne-a schimbat viața și conștiința.
Design industrial, design grafic, design de modă, design de mediu - atât de multe tendințe, atât de multe nume strălucitoare. Astăzi, mult timp nimeni nu este surprins de formele abstracte de culoare cu care designerii ne umple realitatea. Un cerc albastru care se dovedește a fi o lampă. Dreptunghiul mare roșu este un buton de pe ecran! Formele abstracte au devenit parte a lumii noastre.
Toate acestea s-ar putea să nu se fi întâmplat dacă Kazimir Malevich nu ar fi scris odată „Piața Neagră” și nu ar fi eliberat forma și culoarea din dictatele unei imagini vizuale.
